Toll, dass das American Folk Art Museum heutzutage keinen Eintritt verlangt. Möglicherweise ist mehr als ein Besuch erforderlich, um die wegweisende Ausstellung „Photo Brut: Collection Bruno Decharme & Compagnie“ aufzunehmen.
Diese atemberaubende, manchmal herzzerreißende Show – von der eine größere Version letzten Sommer auf einem Fotofestival in Arles, Frankreich, zu sehen war – ist ein Füllhorn etablierter und unbekannter Namen, vom gefeierten Henry Darger bis zum unbekannter Ichiwo Sugino; improvisierte Medien und oft schmerzhafte Geschichten von isolierten Leben.
Es ist auch die erste große Umfrage, die die so genannte Photo Brut untersucht, die verschiedenen Formen der Fotografie, die von Künstlern praktiziert werden, die in den Vereinigten Staaten als Autodidakten oder Außenseiter und in Europa als Art Brut oder rohe Kunst bezeichnet werden. Sie nannten und nennen das, was sie tun, nicht immer Kunst. Ähnlich wie ihre Mainstream-Pendants verwenden sie die Kamera und Fotografien für Collagen, Assemblage, Aneignung, inszenierte Fotografie und dergleichen.
Die Werke hier stammen hauptsächlich aus der umfangreichen Sammlung von Bruno Decharme, einem französischen Filmregisseur, dessen nichtfotografischer Bestand 2001 in diesem Museum gezeigt wurde. Es wurde von Decharme und Valérie Rousseau, Senior Curator am Folk Art Museum, organisiert und gibt Weitere Hervorhebung des nützlichen Ausdrucks Photo Brut – Rohheit ist so etwas wie ein Schlagwort in der Arbeit hier – und scheint für eine breitere Verwendung bestimmt zu sein.
Installationsansicht von „Photo Brut: Collection Bruno Decharme & Compagnie“ im American Folk Art Museum. Im Vordergrund Henry Dargers Panoramablick auf die androgynen Vivian Girls. Kredit… Amerikanisches Volkskunstmuseum; Olja Wyssozkaja
Die Show ist 13 Künstler kleiner als in Arles, aber ihre Ausmaße bleiben episch. Sie enthält über 400 Werke von mehr als 40 Künstlern, die zwischen 1891 und 1992 geboren wurden, von denen etwa ein Drittel noch lebt. Einige Künstler sind bekannt, aber ich werde mich auf die konzentrieren, die mir neu sind.
Die Kuratoren haben die Arbeit in vier lose, sich überschneidende Gruppen gegliedert: Private Affairs, Performing, Reformatting the World und Conjuring the Real. Die Abschnittstitel werden immer sinnvoller, je mehr Sie sich engagieren. Aber es bleibt Ihnen auch überlassen, die Punkte selbst zu verbinden.
Die Ausstellung als Ganzes stellte eine installative Herausforderung dar, die größtenteils bewältigt wurde, aber viele der Bilder sind klein und rezessiv kleine Welt. Hier sind einige, die ich besucht habe.
Private Angelegenheiten
Ein großer Ansporn für die Erfindung oder zumindest die ständige Verbesserung der Fotografie drehte sich um Sex und die Fähigkeit, Menschen nackt zu sehen. Kein Wunder, dass dieser Abschnitt mit Andeutungen von beidem durchzogen ist und diese Ausstellung überwiegend männlich ist. Die großen Namen hier sind Eugen von Brünchenhein (1910-1983), bekannt dafür, seine schöne, auffallend unschuldig aussehende, wenn auch spärlich bekleidete Frau zu fotografieren; Und Morton Bartlett (1909-1992), der exquisite Mädchenpuppen fotografierte, die er selbst herstellte. Ein anderer ist der große tschechische Künstler Miroslav Tichy(1926-2011), der heimlich Frauen fotografierte, die sich in Parks oder an Stränden mit primitiven Kameras seiner eigenen Herstellung entspannten, und Bilder schuf, die ihnen ein gewisses Maß an Privatsphäre gewährten.
Steve Ashby (1904-1980) verlieh ausgeschnittenen Bildern von Gesichtern und Figuren Festigkeit, indem er sie auf Holz klebte und sie auf Stöcke montierte, wie bei einem lächelnden, sich umarmenden Paar. An anderer Stelle überwiegen die natürlicheren Formen. In einem besonders beeindruckenden Stück hat eine Frau geschwungene Äste als Arme und scheint wie eine Göttin aus einer großen Wurzel hervorzubrechen.
Die Privatangelegenheit von Kasuo Handa (1952-2016) kombinierten Bilder von Frauenkörpern und Rauchen. Als engagierte Kettenraucherin, die an Kehlkopfkrebs starb, stellte Handa Hunderte von Haltern für Zigaretten, Zigarren und Pfeifen her. Seine Uhrmachertechnik bestand darin, Bilder aus Erotikmagazinen in schmale Streifen zu schneiden und zusammenzukleben. Die Ausstellung umfasst Handas Werkzeugkiste, deren Feinheit auf die rituelle Natur seines Handwerks hindeutet – so etwas wie eine Teezeremonie. Die kleinen zylindrischen Zigarettenspitzen sind selbst bezaubernd; Bunt gestreift erinnern sie an raffinierte Vettern russischer Nistpuppen.
Aufführung
Cindy Sherman machte das Verkleiden für die Kamera zu einem der beständigsten und nützlichsten Grundnahrungsmittel der zeitgenössischen Kunst. Es macht also Sinn, dass sich der Performing-Bereich relativ aktuell anfühlt.
Die inszenierten Fotografien von Marcel Bascoulard (1913-1978) zeigen diesen schmächtigen, älteren Mann in Frauenkleidern, posiert in seinem französischen Dorf. Aufgenommen von den Dorfbewohnern, die sich auch um ihn kümmerten, wirken sie wie heruntergekommene Dokumente einer anderen Zeit: Die Bilder sind oft sepiafarben und die Kleider lang und erinnern an das 19. Jahrhundert. Sein unveränderlicher Ausdruck ist unbeschreiblich ergreifend – unnachgiebig und verlassen, männlich und weiblich zugleich. Tragische Gestalten wie Madame Bovary und Anna Karenina kommen einem in den Sinn, aber auch William Wegmans Weimaraner. Es ist leicht, an diesen Bildern vorbeizugehen, aber ich rate davon ab.
Shermans Arbeit wird besonders durch die Fotografien beschworen Tomasz Machcinski (geboren 1942), in dem er sich mit Make-up, Kleidung und Requisiten in historische Figuren wie Maxim Gorki, Gloria Swanson und Mutter Teresa verwandelt. Aber wie bei einem Schauspieler sind es die Veränderungen in Machcinskis Ausdruck und Haltung, die seine Charakterisierungen real werden lassen.
Die Unterscheidung zwischen außen und innen oder Brut und Nicht-Brut verschwindet damit so gut wie Lubos Plny (geboren 1961). Seine Körperkunst lässt sich mit den Wiener Aktionisten in Verbindung bringen. Und die Verbindung könnte real sein, da er in den 1990er Jahren über ein Jahrzehnt als Model an der Akademie der Bildenden Künste in Prag gearbeitet hat. Aber Plnys Arbeit fühlt sich visionär an. Seine große Collagenzeichnung umgibt aus Anatomiebüchern ausgeschnittene Bilder mit wirbelnden Derwisch-ähnlichen Linien. Die Arbeit aus dem Jahr 2003, die aus 10 großen Fotografien besteht, dokumentiert den Künstler, der in einem Akt des toten Martyriums seine rechte Hand an sein Gesicht näht.
Einer der Stars der Show ist Ichiwo Sugino (geboren 1965), ein Werbedesigner im Ruhestand, dessen Bemühungen auf die Zukunft der Kameraarbeit hinweisen könnten: das riesige Außenseiterreich des Online. Im Jahr 2015 begann Sugino, auf seinem Instagram-Account Imitationen von meist männlichen Kulturfiguren des 20. Jahrhunderts zu posten. Er erreicht diese Ähnlichkeiten hauptsächlich, indem er sein Gesicht mit Klebeband und anderen Requisiten nach Bedarf verändert. Zu seinen Motiven zählen Alfred Hitchcock, John Lennon, Marlon Brando als Pate und Che Guevara. Ihre Gesichter scrollen auf etwas vorbei, das wie ein riesiger Handybildschirm aussieht, und machen es einfach, die verblüffende Genauigkeit der Bilder mit ihrer genialen Slapdash-Methode zu kontrastieren. Dies kann Online Brut sein, aber auch eine Parodie auf die anspruchsvollen Transformationen seines japanischen Künstlerkollegen Yasumasa Morimura, auch für die Kamera.
Die Welt neu formatieren
Ein direkterer, wenn auch längerer Name für diesen Abschnitt hätte „Dinge mit bereits existierenden Bildern tun“ lauten können. Das große Vorbild hier ist Heinrich Darger (1892-1937), der Hausmeister aus Chicago, der einen aufwändigen und grandiosen Roman schrieb und illustrierte, der sich auf die abwechselnd gefährliche und pastorale Existenz der androgynen Vivian Girls konzentrierte. Wie einige Insider-Künstler ließ Darger Bilder aus Zeitungsanzeigen und Malbüchern fotokopieren, vergrößern und manchmal umdrehen. Diese Darstellung mag die meisten Darger-Fans ansprechen, aber sie verstärkt die Komplexität seiner Leistung.
Mehrere andere Künstler manipulieren Fotografien direkter, malen oder zeichnen auf oder um sie herum oder im Fall von Elke Tangeten (geboren 1968), bestickte Bilder von sakralen und weltlichen Figuren mit leuchtenden Garnsträngen, akzentuierte Licht oder veredelte Kleidungsstücke mit einem verstreuten Mosaikeffekt. Mit Farbstift, Leopold Strobel(geboren 1960), einer der raffiniertesten Künstler hier, verwandelt kleine Zeitungsbilder in surrealistische Landschaften, die von kurvenreichen schwarzen Massen unter einem unvermeidlich grünen Himmel dominiert, wenn nicht sogar vollständig verzehrt werden.
Walentin Simankow (geboren 1962) macht turbulente, irgendwie subversive Collagen aus Bildfetzen, Zeitungspapier und Partituren. Und Elisabeth van Vyve(geb. 1957) katalogisiert den Inhalt ihres Familienhauses Objekt für Objekt in präzise komponierten Farbfotografien, ähnlich denen von Hanne Darboven, Stephen Shore und Gabriel Orozco, ebenfalls ein Autodidakt.
Das Echte beschwören
Wie mehrere Künstler in der Sektion Neuformatierung, Jesuys Crystiano (um 1950-2015) bearbeitet zeichnerische Fotografien, meist von phantastischen Gesichtern und Figuren mittelalterlicher Miene. Das beste zeigt Joseph Beuys‘ berühmten „Stuhl mit Fett“ von 1963, umgeben von gezeichneten Bildern, die eine Berglandschaft ins Zentrum stellen. Sie veranschaulichen das bedeutsame und wahrscheinlich apokryphe Ereignis in seiner Kunst und seinem Leben: der Absturz seines Luftwaffenbombers auf der Krim im Jahr 1944 und seine Rettung durch nomadische Tataren, die ihn in Fett und Filz einwickelten, zwei Materialien, die in seinem Werk eine herausragende Rolle spielten.
Die Arbeit von Horst Ademei (1937-2010), ein neu entdeckter deutscher Künstler, der auf beiden Seiten des Atlantiks bereits weithin geschätzt wird, resultiert aus starken Archivierungsneigungen und auch aus der Angst vor zweifelhaften „Kältestrahlen“. Er machte Tausende von Polaroids, die einen Tisch zeigten, der mit Zeitungen (meistens die Boulevardzeitung Bild-Zeitung, die Farbe hat) und manchmal mit Essen gedeckt war. Nachdem er die von jeder Anordnung emittierten Strahlen mit einem Geigerzähler gemessen hatte, nummerierte und schrieb er seine Ergebnisse in winziger Schrift um das Bild herum. Ademeit fotografierte andere vermeintliche Strahlenquellen wie Stromzähler, aber die collagenartigen Tischplatten, die mit obsessiver Sprache bekränzt sind, sind besonders überzeugend.
Dieser Abschnitt endet mit Fotografien von angeblichen Geistern, Außerirdischen und UFOs, die fast ausschließlich von unbekannten Künstlern aufgenommen wurden. Aber das fängt schon bei den rätselhaften Bildern an John Brill(1951) nimmt und dann stark manipuliert sowohl in der Dunkelkammer als auch am Computer, was fast überzeugend für die Existenz des Geistigen Reiches spricht.
Die Fotografie hat zumindest seit Anfang des letzten Jahrhunderts, als Kameras und Filme weithin verfügbar wurden, eine Vielzahl von Menschen umfasst. Jetzt, wo Filme und Kameras verschwinden, könnte die Kunst, die wir in dieser Ausstellung sehen, sterben. Wenn ja, kommt „Photo Brut“ gerade rechtzeitig, um zu demütigen und zu begeistern. Es skizziert ein alternatives Universum dringenden Ausdrucks und schärft den Blick für ein anderes, das vielleicht im Internet um die Ecke wartet. Angetrieben von verzweifeltem Talent, das nicht zu leugnen wäre, beweist die Show einmal mehr, dass Kunst, oder dicht an zweiter Stelle, aussterben wird.
Foto Brut: Sammlung Bruno Decharme & Compagnie
Bis zum 6. Juni im American Folk Art Museum, 2 Lincoln Square, Manhattan, 212-595-9533, folkartmuseum.org.
